Gostaria de começar essa análise de hoje deixando claro que não li o livro ainda, mas pretendo! Sou uma maluca por Clarice Lispector. Sei que muitos já resenharam o filme/livro e ressaltaram os pontos que julgaram importantes, inclusive adoro ver as várias lentes que as pessoas usam para isso: invisibilidade, pobreza, solidão. Eu vou além dessas “pequenas” caixinhas, quero trazer uma reflexão de como dar falsas esperanças também é uma forma de violência.

Macabéa, datilógrafa, virgem e gosta de Coca-Cola. Come sempre cachorro-quente com refrigerante por ser mais barato. Gosta de ir ao metrô aos domingos. A quem isso interessava? Apenas a ela mesma. Uma mulher solitária, rejeitada, vivendo à margem da sociedade por não ser o padrão, por não ter dinheiro, por ser ingênua demais — ou apenas julgada como sonsa. “A Pearl brasileira” sem nenhum pingo do estrangeiro, apenas a trágica realidade de um país latino-americano, em que viver é muito além de querer ser uma estrela de cinema e continuar presa em uma fazenda, é se doer um pouco até na alma todo dia, toda hora: a hora da estrela é a hora da morte. Holofote (lanterna do carro) e palco (asfalto). O que me dói, para além da invisibilidade de Macabéa, é o fato de que ela morreu esperançosa.

A solidão e a necessidade de receber amor dilaceram o coração. Olímpico de Jesus não foi só um namorado, mas a companhia que ela sempre esperou, mesmo sendo ele um lixo. Em resumo, antes desconfortavelmente acompanhada que terrivelmente sozinha, pois estar só é um soco no estômago. Após perdê-lo para a colega de trabalho galega de farmácia e cair feio na mentira da cartomante, Macabéa sai e compra um vestido azul. A cor azul pode simbolizar melancolia e distância e era assim que ela era: distante da realidade, perguntando “o que não devia” e não tendo respostas.

Morreu na fria esperança de que seria amada, feliz e não mais sozinha. Falsas esperanças encheram seu estômago revestido de salsicha e coca-cola. Deram uma leveza para sua alma pesada demais pelos baques e pesos da vida. Andou na rua confiante de que tudo mudaria para melhor e no fim só encontrou a tragédia certeira da morte. Portanto, é uma forma de violência, pois a cartomante pega o dinheiro em troca de ver o futuro [falso], levando uma parte do que Macabéa já não tinha e seduzindo sua mente por uma fantasia bonita. Sabe quem também vende falsas realidades? O capitalismo! Irônico, não? O modelo econômico também leva as pessoas a serem charlatãs para conseguir botar algo na mesa. O final da obra cinematográfica é a perfeita expectativa x realidade: Macabéa imaginando o encontro com o estrangeiro como contos de fadas e, na realidade, ela morrendo atropelada por esse estrangeiro.

Bem, eu revi Adoráveis Mulheres (2019). Logo no início, quando Jo quer vender a história, o homem que as compra diz que a personagem feminina, se possui protagonismo, deve estar morta ou casada. Quem me dera que isso fosse meramente fictício. Uma mulher só pode ser mãe ou esposa. Ela não pode ser só a amiga ou uma conhecida. Sempre vão botar nela um teor romântico ou maternal, porque somos as serviçais não remuneradas do cuidado e afeto. Fugir dessas lentes é quase um suicídio, um crime fatal.

“Monster Romance” e Frankenstein.

Frankenstein (2025) também reflete essa película; Elizabeth não podia apenas ser a mulher fascinada pela natureza. As pessoas preferem dizer que ela apaixonou-se romanticamente pela criatura ou que teve um cuidado maternal com ela, um vínculo que não pode evitar por ser mulher. É claro que para essa construção de imagem a escolha da produção do filme foi essencial; algo que fica desconexo ao meu ver, embora tenha amado o filme, já que no livro de Mary Shelley a criatura mata Elizabeth para se vingar de Victor. A venda dessa imagem de humana x monstro sempre reforça a ideia de que nós, mulheres, somos mais sentimentais que lógicas, já que, em tese, um monstro poderia matar com facilidade.

A escolha de escalar a Mia Goth para os papéis de Elizabeth Lavenza e Caroline Beaufort é um reforço do vínculo psicológico entre interesse romântico e relação maternal, já que Victor projetaria esse afeto materno no seu afeto romântico. Não vai dar para fugir do clássico:

Complexo de Édipo.

Sigmund Freud, psicanalista austríaco, propôs tal conceito em 1899. Consistia em uma etapa do desenvolvimento infantil (entre 3 e 6 anos) em que o menino desenvolve inconscientemente um desejo pela mãe e uma rivalidade com seu pai. O complexo de Édipo foi inspirado na peça trágica grega Édipo Rei, de Sófocles. Na história, Édipo mata o pai e se casa com a mãe sem saber dos laços biológicos. Essa repetição da Mia com e sem sobrancelhas para mim seria um “lembrete” de que Victor não passou dessa fase. A obsessão na genitora permaneceu mesmo depois da morte dela, já que ele a julgava perfeita.

A ideia de que um par romântico vende mais e a independência feminina.

Coraline (2009) é uma adaptação que sustenta minha visão sobre a independência feminina ser desprezada. O livro, que é menos infantil que a animação, tem a ausência e não necessita da existência de Wybie Lovat. Sozinha, Coraline vai se perdendo naquele mundo de uma maneira muito mais corajosa e assustadora. No filme, por outro lado, Wybie ajuda no desenvolvimento, além de ser o amigo da protagonista. Para vender mais, era necessário que houvesse tal relação… Ou talvez não? Muitas obras cinematográficas seguem essa mitologia do romance e muitos idiotas compram sorrindo. Sinceramente, não quero ser chata e amo comédia romântica como qualquer adolescente, o que reforço são as histórias que não precisam de amor, homens e dependência, mas servem isso no seu cardápio.

Uma mulher não é incompleta por não ter um par romântico ou não ser a rede de apoio de um adulto que deveria ser independente. Assim como a Miranda de Sex and the City era bem-sucedida e inteligente, mas acabou com um cara patético como o Steve. A série sempre tentava mostrar que, de certa forma, ela não era toda realizada pelo romance faltar na maior parte do tempo. Jo March é fodona por sustentar sua liberdade até o fim, mesmo quando se apaixona; o foco dela é a escrita, o sonho, e o foco não é o homem. O cinema que vende apenas a mulher como esposa ou mãe é aliado do patriarcado, e quem vende a imagem da dependência feminina são os diretores masculinos que não têm mente aberta.

No cinema, a figura feminina toma diversos rumos. A louca, a amante, a típica garotinha inocente, a protagonista de romances, a possuída do filme de terror. Tem também a que faria de tudo para ser amada e não necessariamente por um par romântico. A loucura, a psicopatia, a fraqueza ou qualquer coisa que pode vir de complemento é um acessório extra, mas o desespero é a chave mestra de todas as atitudes impulsivas ou “sãs” tomadas por essas protagonistas.1

Casos extremos, medidas extremíssimas.

A missing Amy Dunne fez tudo o que podia para atingir o amor dos outros. Ela não queria que a Amy exemplar dos livros estivesse à frente dela e romper o ciclo para ser amada pelo público exigiu mais que um lançamento próprio ou mais um teatrinho em comemorações. Ela forja a própria morte, tenta incriminar o marido e a irmã dele, inventa uma gravidez, uma amizade e passa a ser a coitadinha da nação pelo suposto assassinato, agressão e desaparecimento de uma grávida. Ao ver a situação tomando um rumo não esperado e que botaria o amor que ela almejava em risco, ela decide jogar a carta na manga e reverter tudo antes que perca o controle. O homem rico que sempre foi apaixonado por ela e esteve aos seus pés é feito de marionete e o desfecho é simples: um assassinato, mais um suposto sequestro e ela voltando ensanguentada para casa como a vítima que aquele país acolheu. Amy queria sair da sombra da pseudo garota exemplar que seus pais projetaram para as pessoas. O desejo de ser amada e vista como a garota real, além da sua psicopatia e persuasão, fez com que ela desesperadamente montasse um palco para atuar e dançar livre daquelas amarras de ser o exemplo.

A junção da mulher à sua paixão.

Tonya se diferencia pelo trauma de infância. Um pai ausente, uma mãe abusiva que diminui e agride a filha. Ambientes instáveis geram filhos instáveis. A escola é deixada para lá para ela seguir a única coisa que aprendeu a fazer bem feita: patinar no gelo. Ela é descrita como a queridinha da América, depois passa a ser odiada e, por fim, torna-se uma piada. Tonya era a patinação no gelo. Ela vivia para a pista, assim como ela era aquela pista. Seu coração se esquentava quando acertava e recebia aquele apoio. Ela se fundiu à sua paixão e, quando aquilo foi tomado dela, ela ficou sem chão. O amor dela era o esporte e ela faria de tudo para continuar sendo a estrela do gelo pelo seu sentimento, ao ponto de pedir para ser presa, portanto que pudesse continuar patinando. O gelo era sua casa, pois ali não havia as agressões do Jeff ou da mãe, era só ela e seus erros e acertos. Ali, Tonya atingia todo o carinho que faltou durante toda sua vida.

Quem vive de beleza, morre dela.

Lilico vivia em prol da fama e beleza. Infelizmente quem vive de beleza, morre dela. Enquanto luta para continuar tendo o rosto em primeira página das revistas, ensaios de foto, comerciais e tudo o mais, Lilico também se rende à indústria de estética. As inúmeras cirurgias plásticas nunca preencheram o vazio dentro do peito dela. A ânsia de ser amada a todo custo, passando por cima da própria saúde e sanidade, levou-a a enlouquecer e se matar em rede nacional enquanto seu corpo se desmanchava e a loucura tomava controle da sua mente. Não é só Lilico submetida a essas estéticas opressoras que destroem de dentro para fora, mas a sociedade atual abraça isso para apagar “imperfeições” e ser mais amada.

Descolada na adolescência, um vazio imenso.

Sendo sincera, não acho o filme lá essas coisas, mas a crítica é certeira sobre más influências e como o querer ser visto e reconhecido por um grupinho pode destruir alguém. Tracy perdeu-se profundamente para ser amada pelos descolados amigos da Evie e pela própria Evie, que não sobrou nada dela. Tudo que resta depois dessa colisão é um vazio imenso. Um dano mental quase irreversível. A adolescência é um dos momentos da vida em que mais almejamos amor, porque tudo é confuso demais: hormônios, mudanças excessivas. Também é um dos momentos em que mais aprendemos como fazer tudo pelos amigos pode ser uma prisão. O final do filme é a amostra perfeita da cilada que é confiar e ser influenciado por alguém má influência.

Só as bonitas são amadas.

De novo, a beleza é a guilhotina das mulheres. Dessa vez, não pela necessidade de ser amada por um grande público, mas por um homem. Elvira come um ovo de tênia, corta o pé, costura cílios nos olhos e tenta “consertar” seu nariz para poder ser amada pelo príncipe. A ideia perpetua por gerações: só as bonitas podem ser amadas. Como se a aparência fosse sinônimo de amor. Todos os esforços foram nulos, pois ela acaba sem o príncipe e, pior ainda, totalmente destruída pela imagem que ela lutou para ter e manter. Essa tortura de espartilho, agulha e choro foi a realidade de muitas; hoje se adaptou a um meio mais evoluído: remédios para emagrecer, cintas que podem acabar com suas costelas e dietas extremas com as blogueiras fitness que não têm uma faculdade de nutrição.

Fomos ensinadas a agradar, mas não a sermos agradadas. Até onde vamos para sermos amadas?

A resposta: até o fim do mundo. Amadas pela mãe, pelo pai, pela família, pelas pessoas à nossa volta, pelos amigos que não são tão amigos assim, pelos amores. Mulheres foram educadas desde cedo: agradar, obedecer, ter uma gentileza cega, ser a sombra, dar o protagonismo para outrem. Nunca foram ensinadas que tinham que ser agradadas e, nessa luta pela conquista do amor, muitas adoecem.

Não sei vocês, mas o meu maior medo é me esquecer de tudo sobre mim e daqueles que amo. Por tal motivo, o pós-morte foi motivo de várias crises de ansiedade minhas, pois, para mim, depois disso não teria nada e as memórias seriam varridas junto com meu corpo humano. Eu tenho medo de Alzheimer. Sei que não sou a única com medo dessas coisas e, mesmo com tais medos, eu também já quis me esquecer de um homem como a Clementina. Pensei que esquecer seria bom, mas na dor também tive aprendizado. Na alegria eu também aprendi. Os seres humanos têm as memórias como o bem mais precioso, por isso filmes que mexem com essa temática são tão dolorosos — pelo menos é para mim, que mantenho diários na esperança de ter algo físico do que se passa dentro da minha mente e fora dela. Sou egoísta e almejo lembrar de tudo, porém vivo deixando algo para trás: uma música, uma frase, a maldade que cercou minha própria bondade; a mente não é eterna e eu não quero que seja sem lembranças. Elas fazem de mim o que sou e o que serei. Sem elas os amores morrem, os sonhos desaparecem e as dores somem para nunca mais fazer mal de novo, mas aí perde-se a essência.

É melhor esquecer do que lembrar?

Acho que uma das cenas que mais me marcou em Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças, embora tenham sido todas, foi a cena em que o Joel e a Clementina estão na casa de praia, tudo prestes a sumir e eles soltam o seguinte diálogo:

— Queria que tivesse ficado!

— Eu também queria que tivesse ficado. Agora, eu queria que tivesse ficado. Eu queria fazer uma porção de coisas.

[…]

— E se ficasse dessa vez?

— Eu saí porta afora. Não sobrou lembrança nenhuma.

— Pelo menos volta e inventa um adeus. Vamos fingir que tivemos.

Então eles se despendem. Peguei-me então em uma reflexão e percebi que eu nunca quis esquecer nada de fato. Revisitar as memórias fez com que o Joel percebesse como ela não era só louca, mas interessante, e que ele a amava, mas também fez com que enxergasse onde era conflitante e os próprios erros. O amor é uma coisa meio-termo, no sentido de ferir e curar.

Peixe pequeno perdendo-se no grande oceano.

Enquanto Joel e Clementina escolhem se deletarem da memória um do outro, Emma e Jude passam por isso por meio da doença neuroinflamatória, que se espalhou e afetou as pessoas mentalmente, de modo que esqueciam até mesmo quem amavam e quem eram. Acho que foi um dos filmes mais sensíveis que eu vi nesse ano. A obra nos pega onde mais dói: esquecer sem escolha. A introdução do filme instigou-me logo de cara e surtiu um sentimento de que iria amá-lo. Os fragmentos de memória ao decorrer e os detalhes que vão se perdendo, TUDO é tão bem pensado para mim e perfeito, porque te faz afundar cada vez mais nos sentimentos dos dois protagonistas. A cena que mais me marcou foi a que a Emma explica ao Jude o que é memória háptica (pelo toque).

Tentar se reconstruir enquanto as memórias desmoronam é complicado, e tatuar na pele é a forma mais literal de lembrar de algo, o que torna a tatuagem de peixe dos dois tão especial. Sendo uma escolha ou não, esquecer é doloroso. Em Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças, devido ao arrependimento, e em Little Fish, porque é inevitável passar por esse processo de apagamento.

Algo no terror brasileiro, em específico filmes da Anita Rocha da Silveira, Raquel 1:1, A Noite Amarela, me prendem justamente por entrelaçarem o gênero do terror às questões sociais, como a religião, sexualidade, dores femininas, conflitos mentais. Acima de tudo, a identidade desses filmes é extremamente brasileira, com nossas músicas nacionais, nossos sotaques, nossos amores, nossa cultura.

A composição de Medusa (2021), para mim, é excepcional. A montagem é tão bem pensada que, por meio de uma pia, percebemos mudanças também; uma hora é a maquiagem ali sendo lavada, depois o sangue. Por meio dessa obra, Anitta explora um movimento de repressão a hereges modernos, mas com causa e consequência, como a personagem-protagonista Mariana, que queria mostrar bravata, mas acaba pagando caro por isso — por meio do próprio rosto. A religião, para essas jovens garotas, não se mostra só um instrumento de violência, mas também uma prisão, que faz a personagem Michele aceitar coisas inaceitáveis pela normalidade imposta. Já em Raquel 1:1 (2021), mostra como a religião pode colocar as pessoas umas contra as outras. A jovem religiosa, ao se mudar com o pai para uma cidadezinha no interior, após certos acontecimentos contraditórios à passividade do município, crê que tem uma missão controversa dada por Deus a ser cumprida. Ambos os filmes tem como contéudo central a religião e sua problemática.

Mate-me Por Favor (2016) é outra obra da Anitta; não posso falar que gosto muito, mas tem aspectos relevantes na trama. Assassinatos, mais especificamente feminicídios, têm acontecido na região da Barra da Tijuca. As jovens, ironicamente, interpretadas pelas mesmas protagonistas de Raquel 1:1 e Medusa, com participação de outras, têm uma curiosidade sobre os crimes. A composição de cenas é excelente, o funk gospel é marcante (como sempre Anitta colocando religião nas entrelinhas) e acho que a adolescência da época é bem representada. O filme é bem ambíguo e vago, mas acho que, de certa forma, também é intrigante e reflexivo.

A Noite Amarela (2019) tem como forte característica o sotaque paraibano. Um grupo de amigos vai visitar a casa de praia no litoral, que pertence ao avô de Mônica. A personagem Karina tem um sonho estranho, em que sua mão tem um buraco. O terror vai se estreitando na propriedade litorânea até fazer-se visível.

Agora, se você é fã de Fernanda Torres como eu, veja Gêmeas (1999). Duas irmãs gêmeas univitelinas (idênticas), Iara e Marilena, enganavam os homens por diversão, mas isso foi até Osmar aparecer e as duas se apaixonarem por ele. Uma rivalidade rasga até mesmo os laços de sangue e torna tudo desarmonioso.

Setembro Amarelo é o mês em que você vê pessoas horríveis dando uma pausa na sua babaquice para dar close para uma câmera e performar o quanto se importa com a vida alheia e a morte precoce de jovens ou até mesmo de adultos já muito calejados pela amargura e dificuldade que é estar vivo. Vou ter que admitir minha hipocrisia, porque adotei muito no meu vocabulário, por mania do meu amigo e das redes, o termo ridículo: smt. Acho que a gente tenta falar isso em tom de ironia quando sabemos que é muito além de três palavras. Eu não quero que ninguém se mate, pois eu, quando tinha doze anos, tentei suicídio da forma mais estúpida que uma criança poderia ter pensado. Peguei a toalha cor-de-rosa da minha avó e tentei me enforcar sem uma boa elaboração. Sentia-me incompreendida e perdida, estava exposta a conteúdos indevidos e interações sugestivas. Vi o fim como algo bom para mim e sequer cogitei a tristeza que eu instalaria na minha casa. A dor de uma perda não é só para quem vai para longe, mas em união uma família toda ficava de luto e pessoas próximos também.

No cinema, a morte precoce de jovens meninas é representada nas mais diversificadas nuances do que o ato de tirar a própria vida pode tomar. Em uma sociedade não empática e ignorante, a vida dessas jovens toma rumos de deboche, ideias mirabolantes, teorias e até piadas de humor ácido totalmente sem noção. O que ocorre nas telas é reflexo da falha social que leva milhares de pessoas a se matarem ao longo de um ano. Representar essas vítimas não é em prol de incentivo ao suicídio, mas sim à sua prevenção e evitamento.

Como falar do assunto sem citar As Virgens Suicidas?

O filme As Virgens Suicidas é uma adaptação do livro de Eugenides e é dirigido por Sofia Coppola. Lançado em 1999, o filme conta a história de cinco jovens irmãs pelo male gaze. Cinco garotos de sua vizinhança se veem vidrados pelas irmãs Lisbon desde o suicídio da mais nova, Cecília. Todas suas narrações ao longo do filme são idealizações dos meninos e eles as tratam como um mistério difícil de entender. Embora toda a dor que eles, como observadores, podiam ver, ainda focalizam a beleza das garotas. O que não é unicamente característica deles, mas se tornou muito comum na sociedade contemporânea. As pessoas não estão mais comovidas pelas tragédias, mas sim pela beleza das vítimas. “Por que Fulana se matou? Era tão bonita!” “Por que Ciclana teve que passar por esse crime? Era tão bonita.” Em vez da empatia, o que gera incômodo é a beleza. Não se deve comover-se pela aparência; a maior tragédia é a morte, seja ela suicídio ou não.

Voltando para o filme, ele conta como o isolamento vai definhando as jovens garotas aos poucos. As irmãs Lisbon não queriam de fato morrer, mas sim estar vivas. Elas ansiavam por singularidade, já que sua mãe apagou totalmente a individualidade de cada uma após a morte de Cecília e as prendeu em casa. O suicídio das cinco garotas não é meramente um ato contra as vidas de cada uma, contudo um grito pela liberdade. Um desejo tão ardente por viver que recorrer à morte é a única opção que elas enxergam. Os garotos podiam conversar com qualquer uma das Lisbon para saber como se sentiam, mas preferiam mantê-las como idealizações, mulheres no corpo de meninas e fantasias das suas cabeças.

Sayounara: suicídio em ambiente escolar.

Sayounara (2018) é dirigido por Yuho Ishibashi. Uma jovem tenta lidar com o suicídio da própria amiga enquanto escuta os comentários ruins dos colegas. Yuki mora em uma cidade pacata e costeira; sua história com sua colega é curta e, mesmo assim, impacta sua vida para todo sempre. Não só pela amizade, mas pela morte precoce da amiga. Seu luto tem que ser silencioso, enquanto ninguém à sua volta de fato liga para o ocorrido. A normalidade é forçada, não é escolha. O ambiente escolar é amplamente explorado e a reação dos jovens é por meio de especulações mirabolantes acerca do que teria motivado o suicídio.

O luto é pessoal. Ninguém liga mesmo.

Em 2021, eu era a maluca dos mangás. Li tudo que podia e, com uma mente não muito desenvolvida ainda, não pude marcar em minha memória o mangá My Broken Mariko. Dia 30 de agosto vi o filme; quatro anos de atraso não me impediram de amar menos essa obra que me acertou em cheio nos pontos certos. Quando busquei e vi a capa do mangá, as memórias de quanto li logo preencheram minha mente e o quão emocionante aquilo foi para mim em 2021.

O filme, lançado em 2022 e dirigido por Yuki Tanada, demonstra como o luto pode ser muito pessoal e como as pessoas em nossa volta continuam vivendo, enquanto nós morremos lentamente junto da pessoa falecida. Em poucos minutos, pude sentir o impacto da obra. A primeira cena é no intervalo de almoço da Shiino; ela está comendo um lamen enquanto passa na televisão uma tragédia. Nos primeiros momentos da reportagem, desatenta e concentrada na comida, Shiino não dá a mínima atenção. Conforme os detalhes vão sendo ampliados, a mulher toma a consciência de que a suicida era sua melhor amiga, Mariko. O choque vai tomando conta de seu corpo e, com isso, ela manda mensagem e até liga para amiga na esperança de que não seja ela que tirou a própria vida.

Nesse poucos minutos, a obra demonstra também como as pessoas podem ser insensíveis quanto ao sucídio. Conseguindo tratar a morte de alguém em um tom cômico e desrespeitoso, os mais velhos demonstram o mesmo comportamento de idosos na vida real em relação a jovens que botam fim a vida cedo demais ao dizer “esses jovens de hoje em dia…” e outros comentários de teor pior ainda.

A falta de empatia também é refletida no proprietário do antigo apartamento de Mariko. Ele preocupa-se não com a falecida, mas com sua propriedade ganhar estigmas devido ao suicídio e ele ainda acha bom que ela não tenha se matado dentro do apartamento. Até mesmo o chefe descreve a ida de Shiino ao apartamento da amiga falecida como uma desculpa para fugir do trabalho. A obra nos mostra Shiino em meio os comentários desnecessários e a dor do luto. Ela sente na pele como as pessoas ao seu redor não ligam de fato para Mariko e sua morte precoce. Além disso, escancara como a ida de alguém pode ser rápida e, por esse motivo, deveríamos dar mais valor as relações que mantemos e não optar por ignorá-las, pois nunca sabemos o momento em não teremos mais essas pessoas ao nosso lado. Shiino diz: “É tão veloz quanto a sala de bate-papo.”

Conclusões finais.

Quando alguém opta por se matar, todos nós falhamos como sociedade. Não é um reflexo só do erro governamental e estrutural. Ignorar a dor do outro é uma das piores formas de negligência. Não devemos, como os garotos de As Virgens Suicidas, escolher o mais fácil: a cegueira e idealização. O cinema, por muitos anos, vendeu a dor feminina como algo estético, um core a ser seguido e algo quase angelical ou demoníaco. Nunca houve uma linha tênue; a mulher triste era totalmente uma maníaca triste ou um anjo injustiçado. A música Child Psychology (Psicologia Infantil) repete muitas vezes a frase “A vida é injusta, se mate ou supere.” Não devemos escolher ignorar. Devemos nos impor, fazer de setembro um ano todo, pois não é só no mês do suicídio que devemos colocar uma camisa amarela e vir falar disso por hype. Se as pessoas cultivassem amor o ano inteiro e não apenas em setembro, o mundo seria um lugar melhor e mais leve. Já sei que minha for you será infestada por pessoas que acham maravilhosamente legal postar hoje coisas como: “é o mês que finjo me importar com os outros.”

“O que me faz sofrer é sentir que o que encheria qualquer mulher de felicidade, ou seja, teu, teu maravilhoso amor, teu amor generoso, bom, apaixonado e essas coisas lindas que você me diz. Tudo isso me causa ansiedade. Me leva ao desespero. Quanto mais eu penso em me entregar totalmente a você, tanto mais terror eu tenho do que seria de mim se esse amor ardente se apagasse.”

Acho que eu poderia passar horas transcrevendo, sentindo na pele e enlouquecendo com esse filme. Nenhuma obra me deixou tão hipnotizada, viciada, maluca. Eu Sei que Vou Te Amar, dirigido por Arnaldo Jabor, escancara o amor em suas muitas nuances, sejam sexuais, emocionais ou enlouquecedoras. A obra transborda amor. Transborda tanto que deixa os personagens poéticos. Todos os diálogos dessa obra têm um quê de saudosismo, raiva, maluquice, paixão e rancor. Se essa não é a obra mais sentimental desse país, eu não sei qual julgar em seu lugar digna de tal título.

“Eu não amo mais esse homem ou amo? Ou não? Ou sim? Eu amo?”

Os dois são a contradição. São o amor e a negação dele. É a dúvida que perdura. É aquele espaço entre o amor e a pausa dele. É a infeliz incerteza de um amor que um dia foi tudo. Um sentimento tanto que uniu-se em casamento e acabou em divórcio.

“A casa vai ficar diferente. As cadeiras vão se mover. As mesas vão rodar, rodar, rodar e eu vou perder o controle da minha solidão. Sozinho eu me seguro, mas você chega, eu danço. […] Você é um ponto de interrogação. Uma janela aberta pro ar.”

O reencontro tem aquele aspecto bonito. Encantador e mágico. Aceitação do que um dia foi e já não é mais. Vendo a gravação dos dois no casamento, ele comenta: “os dois inocentes”. Todo começo de casamento parece que não vai ter fim e nem lados feios. Porém, é o contrário. O casório também é cheio dos problemas.

“Uma das coisas que me acalmam é que eu sei que é bom pra você se separar de mim. Eu acho que eu te torturava com uma espécie de bondade patológica em relação a você.”

Logo depois da atmosfera descontraída de estar bem em relação à separação, vem a demonstração de egocentrismo da parte do ex-marido. Ele quer ser perdoado por ser bom. Em seguida, a indignação por parte da ex-mulher vem e ela questiona sobre a infidelidade que ele manteve durante o casamento.

“Ele quer me enlouquecer. Ele me leva para o parque de diversões da loucura dele, pra montanha russa da neurose dele. Ele me leva pra uma teia de aranha e de circo. Me faz rir e me dá facadas. Ele diz que é defensor do mundo harmônico e que eu sou a praga, a destruição, canalha.”

Ele releva tudo com direito a pequenos detalhes. O motel Pantera Cor de Rosa, a turista canadense, duas mulheres, um travesti e até a prima da ex-mulher. Depois, 27 mulheres. “Não há 27 mulheres no Rio de Janeiro!” Ele trata-a como vilã e giganta do mal. Já ele trata a si mesmo como um salvador. “Quer dizer que tudo que eu faço é hostil e tudo que você faz é bondade?” É uma reflexão de como uma atitude tomada por um homem é normalizada e, quando isso parte de uma mulher, é problematizada. Ela os iguala quando diz que são os dois pobres (dignos de compaixão). Na cena, os olhos da Fernanda Torres movem-se para lá e para cá sutilmente, enquanto sua respiração vai tomando uma forma rítmica.

“Eu tô livre. Bêbada. Eu tô livre. O sol abriu lá fora. Eu tô livre. Eu vou dizer a ele que vou-me embora. Que terminou o amor, olha, terminou o amor.”

O mais belo da cinematografia da obra, é o contraste entre as cenas dos divorciados discutindo e as cenas soltas que trazem tantos questionamentos. O amor pode nos reduzir até sumir.

“Eu sei que quando me afasto de você, a vida fica normal, as ruas ficam normais, o mundo fica democrático. Aí, eu me aproximo começa a gelatina, os olhos nos olhos, tudo vai se desmanchando. Eu viro um ratinho e, ploft!, um buraquinho.”

“A gente, quando se junta, vira uma geleia, vira uma terceira pessoa. Pelo amor de Deus, a gente tem que se salvar um do outro. Pelo amor de Deus, me salva de você e, pelo amor de Deus, eu te salvo de mim.” Os dois não podem ficar juntos, porque são iguais em certos aspectos que geram choque elétrico, ou, como ele diz: cai uma guitarra elétrica. As músicas apenas instrumentais tomam conta. Sem vocal presente. Sem fala de personagens por um tempo curto, mas é sentimental mesmo assim. A raiva é deixada em foco por parte da mulher depois de toda “bobagem” que ele falou. O ex-marido encontra-se melancólico e cabisbaixo. Outra cena contrastada surge:

“Será que nunca mais eu vou te esquecer? Será que nunca mais eu vou olhar pra' um espelho sem ver você refletida? Será que nunca mais vai chover sem eu ver a chuva molhando teu rosto?”

O mundo sem quem a gente ama perde o sentido e a perda nos faz questionar muitas coisas, até mesmo acontecimentos naturais que não condizem com quem amamos ou deixamos de amar, mas fato é que a vida perde parte da sua cor. Ele quer saber o sentido daquela separação e também alega não ter sido compreendido. “Eu nunca consegui passar o que eu sinto por você, o que eu sinto por você é loucura, eu sei. Eu queria dizer uma palavra e atingir a significação plena.”

Ele quer mostrar para a ex-mulher que há um jeito de resolver o mistério do término conversando. A frase “Deve haver uma palavra que uma vez dita, muda o mundo.” que ele diz, foi antes dita por ela uma vez que ele estava dormindo. Berro.

“Será que eu vou ter que te matar pra você me ouvir? Será que eu vou ter que abrir no teu coração uma ferida pra você me ouvir? Pelo amor de deus não me ama tanto! O teu amor por mim só te glorifica, só te faz bonito... E eu? Eu? Eu sou o teu orgulho. Eu sou o teu desfile nas ruas. Eu sou você de vestido. Queria tanto que você me compreendesse. Faz silêncio. Ouve a minha loucura. Deve haver a possibilidade de alguém escutar o outro um dia. Deve haver uma palavra que uma vez dita muda o mundo. Me ouve, se não eu vou ter que te matar pra viver!”

Nessa parte, a personagem interpretada pela Fernanda Torres está pensando em um nome masculino para retrucar quando ele pergunta com quem ela está tendo um caso. É a necessidade de dar o troco e dar a volta por cima. “Quem?” Ele repetiu e ela grita que é com ninguém, mas que logo terá um novo amor.

Ela branda: “Eu quero amar, eu quero ser feliz!” É vez dele de se irritar. Ele diz que ela não se entrega e que essa mania de querer ser feliz e namorar não adianta de nada. Ela começa a fazer citações ridículas de como o amor pode ser. O amor nos torna patéticos e poéticos. “[...] Que o dia que você me beijou na boca, as pedras do chão pareciam estrelas. [...] Eu olhava para você, meu amor, você era meu amor. Você parecia um artista de televisão. Tinha uma tela de luz em volta do teu rosto. Você parecia o Marlon Brando.”

Ela relata sobre a primeira vez deles. “O que vai ser de mim?” Os minutos que se sucedem são de mais loucura. Mais música instrumental. Ninguém diz mais nada. Os pensamentos são a única coisa que resta para nós, expectadores. “Aposto que ele não aguenta o silêncio.” ; “Eu acho que amo, amo…ela. Eu amo ela.”; “Ela é um buraco negro. Não vou beijar ela, apesar de amar ela. Ela tá querendo insunuar que me amou mais do que eu a ela, ou seja, quer provar que é superior a mim em termos de amor.”

Ela se expressa para receber uma pergunta sobre drink. "Impressionante como esse cara não aguenta ser amado. Logo agora que eu falei o que eu sinto, que eu dei um pouco de emoção. ‘Aceita um drinque?' Que drinque, cara? Que drinque? Tu é barman, cara? Que drinque? Só se for um coquetel de gin com minhas lágrimas.”

Outro contraste surge acerca dos comportamentos. Ele está se questionando: “O que uma mulher tem que as outras não têm? Quem é ela? Será que algum dia eu vou virar mulher? Eu vou virar ela? Será que algum dia ela vai me matar?” A cena azulada da personagem da Fernanda contém falas mais amorosas: “Quem é esse homem tão lindo que vem andando na minha direção, me olhando e sorrindo como se já me conhecesse? Mas ele não me conhece, eu não conheço ele.” Na primeira cena que contém o personagem masculino, o semblante dele é triste. Na cena em que a mulher está falando, ele abre um sorriso. É a mudança pela passagem do tempo.

Os dois apontam os dedos para determinar quem é o errado, mas não há certo entre eles. Não há lado bom, não há lado mau. “Você é um canalha.” ; “Dois anos para chegar nessa conclusão!” Ele logo fala dos problemas do Brasil e como os dois se encontram em uma briga de casal.

— O mundo lá fora vai acabar e a gente aqui nessa mediocridade! Com o processo histórico correndo lá fora. — Ele diz.

— Dane-se o processo histórico. Dane-se a política internacional. Só me interessa uma coisa na minha vida! — Ela retruca.

— Provar que eu sou um canalha e você é ótima, né? — Ele questiona.

— Exatamente. — Ela responde.

A moral da história não é a discussão insistente que eles mantêm sobre o casamento falido, mas sim como amar e enloquecer são sinônimos que nem sempre enxergamos. O amor os sufoca, dá forças e as tira. Esse sentimento os faz perder a cabeça e se perderem de si mesmos, porém se encontrarem um no outro. O amor é uma confusão. O amor é tudo e não é nada. Ele é tão vazio e tão cheio.

A dor de ter o outro longe faz com que uma parte dos amantes seja mais que loucos, seja rancorosa. Enquanto ela consegue dizer abertamente que não o ama mais, ele hesita em dizer as quatro palavras de volta. É um "eu não te amo" que não sai inicialmente.

“Até umas horas atrás, ela era minha, minha, minha mulher. Agora que eu a perdi, ela é tudo. Ela tá tão longe, tão grande. Ela virou um ser extraterrestre, lábios verdes, bandeiras negras, o gelo, raios azuis. Meu Deus! Como uma mulher pode ser tão mágica? Milagre. Me chama, me mata, mulher de luz. Me leva na tua nave estrelada e me deixa chorar no teu colo na praia do planeta mais longe.”

Ele extravasa de novo. Berrando sobre verdade e objetividade. Em seguida vem aquela famosa frase que a personagem disse e que foi adotada em muitos vídeos:

O guarda-chuva que passa rodopiando sozinho pela praia simboliza o vazio que o amor deixa. A praia em que antes os dois se beijavam não restou nada além. A frase a seguir apenas reforça: “Olha, terminou o amor. Olha, terminou o amor. Olha, terminou o amor.” ; “Tô ficando louco. Quero milagre. Tô ficando louco. Quero milagre. Tô ficando louco. Quero milagre; um crime; um veneno. Adeus, amor, eu tô indo. Adeus, amor, eu tô indo pro crime, pra sujeira.”

"Eu não sei o que é o amor! Eu só sei que os homens e mulheres ficam loucos dentro de casa."

A imagem inicialmente criada de um homem egocêntrico e meio machista é totalmente desconstruída quando ele assume ter amado um travesti parecido com a Marilyn Monroe. Ele diz que o amava e o caçava debaixo da luz do poste todos os dias.1

Nessa cena em questão, o personagem está falando com o próprio reflexo em espanhol, transformando a história de amor dele em algo mais surrealista.

— Boa noite, senhor, qual é seu nome? — Pergunta o reflexo.

— Meu nome é Paquito, senhor, Paquito — A voz afinada ainda refletida respondeu.

— E o senhor é de onde? O que faz aqui? — O reflexo agora com voz mudada e grossa retruca.

— Yo era un antigo ser humano, modesto vendedor de pinicos e, aí um dia, enlouqueci. Eu conheci uma mulher que acabou comigo, uma robô. Una replicante, chamada Carmen, é! É uma batedeira de ovos que evoluiu.

Ele prossegue o monólogo misturando inglês e espanhol. Chega até a cantar a bizarra canção "Daisy Bell (A Bicycle Made for Two)" da banda Blur. Assustada, a ex-mulher começa a rezar até de forma errada. As cenas que se seguem são em preto e branco, com nada mais que o silêncio e os gestos. Depois, a mulher finge que está ao telefone com outro homem para instigar ciúmes no ex-companheiro e até repete várias vezes que vai embora para ver se ele se importa.

“Vai pros bracinhos de outrem. Vai pra outrem. Você não tá contando mesmo com o caminhão da Coca-Cola que tá descendo a rua e poft! Te atropelou. Sumiu do mapa. Mais uma vampira que desaparece. Cruel.”

A importância que não aparece antes, surge no momento supostamente sozinho, onde ele explode de estresse e não para de falar. Falar tudo que pensa e tudo que não disse na cara dela.

"No teu silêncio você dizia: 'eu tenho um amante.' Dizia na fria desatenção comigo: 'eu tenho um amante.' Dizia no sorriso frio: 'Eu tenho um amante.' [...] Quando ela botava um vestido, eu via escrito na seda: 'Eu tenho um amante.' Ao pentear o cabelo, ela tava dizendo, no batom ela tava dizendo: 'Eu tenho um amante.'

A partir desse diálogo consigo mesmo, ele reflete sobre a desconfiança. “Eu comecei a perceber: ela não me ama mais. Ela parou ontem ou foi anteontem?” A incerteza volta a martelar e insistir como um tic-tac de um relógio. Em seguida, a raiva masculina pela rejeição começa a aparecer: “as mulheres são todas umas vacas mais malvadas que os homens, porque elas param de amar e um homem, um homem nunca para de amar!” O que geralmente acontece é o contrário. “Ela parou de me amar às três e quarenta e cinco de la tarde. Ela parou. Parou de me amar.”

“I don’t love you anymore, honey.”

Depois da raiva, vem o choro. “O que vai ser de mim?” Ainda acreditando que está sozinho, ele começa a dizer: “eu gostava tanto de você” para a própria mão. A encenação é como um delírio externado do que o amor causa internamente. Torna essa loucura que preenche nossas mentes apaixonadas em algo demonstrado e não só guardado. Depois da declaração, ele bate na própria mão e seu semblante e atitudes mudam.

“Eu descobri que tava virando mulher. Eu era a mãe dela, a mãe dela que seria abandonada. Nem o pai, nem o avó, mas a mãe! A mãe que largam num asilo e nunca mais ninguém visita.”

O ex-marido vê-se no direito de ser o único coitado. O único sofredor. “A finalidade do homem bom é ser abandonado pela mulher!” A luz se apaga e ele segue a cantarolar. “Ela é a dona de tudo, mamãe, mamãe…” A luz se acende e ele percebe, finalmente, que a ex-mulher estava lá e toma um susto. Mais instrumental. Ele se esconde. Uma cena da personagem feminina em preto e branco retratando a sensualidade e, logo depois, uma cena do homem sendo totalmente devoto, o mesmo trecho de antes: “Me chama, me mata, mulher de luz. Me leva na tua nave estrelada e me deixa chorar no teu colo na praia do planeta mais longe, mas não me abandona.”

A raiva feminina apresenta-se a trama de novo.

“Você pensa que sabe alguma coisa, não é? Você não sabe de nada! [...] Quem é eu? Uma mulher pode dizer eu? Eu não posso dizer eu não! Eu não era nada, eu nunca fui nada. Eu fui educada pra ser louca e você? Você ficou do lado deles. Você casou comigo pra continuar a tarefa das minhas cem mães, vinte mil avós e oitenta porrilhões de tias! […] Eu nunca pensei o que eu quero. Eu sempre pensei o que querem o que eu queira e quanto mais eu obedecia, mais consciência pesada eu tinha.”

A personagem feminina está transparecendo a raiva que ela guardou muito para si mesma, demonstrando assim as muitas pressões sociais e expectativas em torno da figura feminina. Os desejos reprimidos. “Eu tô sentindo culpa. O que eu fiz, meu Deus? Eu não fiz nada.”

“Eu tentava te dizer. Dizer: ‘Faz alguma coisa por nós. me salva, me salva.’ Você não me ouvia, você me mandava ir embora.”

“Eu tô gostando de ser nada, eu tô gostando de ser nada!” É como muitas vezes mulheres se reduzem para caber no marido, para serem só para eles e deixarem elas mesmas de lado. Como se parassem de existir sozinhas.

“Mas havia na nossa felicidade cor-de-rosa uma brutalidade, uma crueldade, me faz mal quando eu penso hoje.”

Fim!

fonte do vídeo utilizado.

Eu sei que exagerei dessa vez, mas esse filme do Jabor tem todo meu coração e é meu filme de conforto. Deixo aqui umas frases finais que não citei antes, mas gosto bastante:

“Você vai entrar pela porta que eu deixei entreaberta. Há uma hora que eu não penso em outra coisa. Você chegando na luz do jardim. Antes de chegar, você já chega e eu ouço seu coração batendo nas ruas. Batendo. Batendo porque vai me encontrar. Eu sei que minha presença te faz nervosa. Eu sei que você se arrumou melhor para me ver. Eu sei que você sabe, eu sei de tudo que você era e que teu único tesouro é o que eu não sei mais.”

“Quando eu ouço sua voz, o mundo se acalma. A tua voz vem calma no telefone e eu fico toda protegida com o falso tom de bondade que tua voz assume. Corro para você em pânico e sei que você vai me receber sólido e amigo.”

“Mas eu suportarei a humilhação para poder ver teus olhos e pensar: "meu homem, meu homem, meu homem perdido e sempre, eternamente meu homem e, no fim da noite, você vai estar caído feito um João ninguém. Eu ajeitarei o batom, salto alto, partirei pensando: dorme, meu homem. Dorme, my baby. That's my boy e vou voltar sozinha pro mundo, onde tudo gira feito carnaval de arlequim e vou ficar infeliz feito nada.”

Spider Lilies, 2007.

Um dos meus filmes sáficos favoritos. A Jade é uma camgirl que se encanta por Takeko, uma tatuadora. Devido à tatuagem que Takeko possui de lírio-aranha no braço, Jade lembra-se do primeiro amor de infância. A linha que as liga é a tatuagem e a arte. O casal de protagonistas é um dos casais mais bonitos fisicamente, na minha opinião, e eu gosto bastante das duas, além de amar o filme em si visualmente e a trama.

But I'm Cheerleader, 1999.

Esse filme é TUDO. Eu amo a estética, as cores vibrantes, as falas. Além de ter rido em algumas partes, eu também consegui sentir bem o filme e a mensagem dele. Tenho muito carinho pela Megan e pela jornada dela de aceitar em um mundo que quer obrigá-la a ter uma cura gay.

O Fabuloso Destino de Amélie Poulain, 2001.

Esse sempre será o meu top 4 do Letterboxd. Meu maior filme de conforto, além de Matilda. Eu amo a montagem das cenas, a sensibilidade da obra como um todo e tenho um carinho enorme pela Amelie Poulain. Eu quis enfiar a mão em grãos e comer um crème brûlée também. Me deu a esperança de que até mesmo as garotas sozinhas, observadoras e meio esquisitas podem encontrar um amor. Me deu outras visões da vida. Enfim, esse filme é meu protegido!

I’m a Cyborg, But That’s OK, 2006.

Cha Young-goon acredita que é uma ciborgue e se recusa a alimentar-se. Já Park Il-sun acredita que pode roubar a alma das pessoas. Os dois logo se apaixonam. A obra é estranhamente fofa e meio agoniante no início. Saia do óbvio com essa comédia romântica. Simplesmente amo o casal principal e o jeito como as pessoas da clínica psiquiátrica são representadas.

A Criada, 2016.

Eu adoro esse filme. Ele é uma caixinha de surpresas. Plot atrás de plot de um jeito bom. Tenho agonia de certas coisas presentes, não vou mentir, principalmente daquele velho nojento tio da Hideko. Acho as personagens profundas e gosto bastante da ambientação.

Medusa, 2021.

Eu não estava esperando que fosse tão bom, mas acabei me apaixonando por ver filmes nacionais que são críticas e singulares representações do mesmo assunto: religião. Além de Medusa, Raquel 1:11, trabalha a proposta do fanatismo religioso e o perigo que envolve essa entrega fervorosa que vai além do necessário. Medusa é dirigido por Anita Rocha da Silveira, conta com uma montagem de cenas interessantes e uma trama intrigante.

Goth, 2008.

Itsuki e Yoru são personagens excêntricos, apaixonados pelo sombrio e com um interesse mútuo: a morte. O fascínio que compartilham leva-os a investigar sobre o assassino em série que anda pelas redondezas. Gosto da estética da obra, da revelação do assassino e da relação dos protagonistas enquanto trabalham juntos para resolver o caso.

As Meninas, 1995.

Inspirado em As Meninas de Lygia Fagundes Telles, a obra aborda a história de três jovens que moram em São Paulo em uma pensão. Em um período de ditadura, cada uma vive de uma maneira diferente, mas unidas pela amizade que mantêm.

Bicho de Sete Cabeças, 2000.

Rodrigo Santoro interpreta Neto, um garoto que é mandado ao manicômio após seu pai encontrar um baseado em suas roupas. O filme retrata bem a realidade dessas instituições mentais da época e o quão nocivas eram. Em vez de salvar ou reabilitar pessoas para a sociedade, o abuso de poder tornava tudo mais difícil.

Juno, 2007.

Juno engravida na adolescência de Paulie Bleeker. Acho que é o melhor filme sobre gravidez antes da vida adulta, porque não reduz Juno apenas pelo “seu erro”, mas mostra como ela amadurece como pessoa e sua personalidade. Destaca a relação entre os futuros pais adotivos e a mãe biológica, de modo que Juno desenvolve certa simpatia pelos dois.

Persépolis, 2007.

Esse filme é simplesmente incrível. O melhor filme de guerra que já vi, porque não mostra só conflito, claro que é necessário, mas quebra estereótipos sobre os iranianos, é a visão de dentro e é simplesmente tocante. O filme mostra desde a rebeldia da jovem Marji e o desejo por coisas estrangeiras proibidas, até as dificuldades e preconceitos sofridos fora do país natal.

Você provavelmente já se deparou com edits de Waves (2019) e achou que era romance fofo. Não se sinta iludido sozinho, eu também fui nessa ilusãozinha de que era um casal feliz com Frank Ocean passando na trilha sonora. O problema é que o filme não é só um conjunto de cenas, é também a realidade de milhares de mulheres por aí. Adultas ou até mesmo adolescentes que ignoram ou ignoraram os primeiros sinais de um homem agressivo, persuasivo e possível feminicida. Expor as problemáticas acerca do relacionamento de Tyler Williams e Alexis Lopez é também conscientizar sobre como a agressão não é invisível, assim como um resfriado que sinaliza sua chegada com nariz entupido, o primeiro grito e o primeiro golpe no volante pode evoluir até uma morte. Embora essa dura realidade cerque a trama, as pessoas preferem um recorte bonito de um relacionamento abusivo. Abraçam a estética e anulam a crítica.

O conto de fadas vai caindo até atingir o feminicídio. Antes disso, Tyler estava dando indícios dos seus comportamentos agressivos. A briga, pouco após a descoberta da gravidez. O soco no volante e a gritaria. Tudo caminhando para a culminância da trama. O protagonista vai se distanciando do racional cada vez mais. Alexy, por outro lado, tenta e consegue temporariamente levar a vida longe daqueles surtos do ex-namorado. Williams substitui as lacunas de felicidade com sangue. O romantismo desmorona totalmente quando ele a mata. Ele é totalmente desequilibrado. Ela tinha sonhos de prosseguir a gravidez. Um homem que bate em qualquer objeto em uma discussão vai ter como próximo alvo a carne, é lógico e é estatística. Romantizar o Tyler e a Alexis é inaceitável.

Eu não estava dando muito pelo filme do Superman lançado agora em 2025. Não sou muito fã de heróis, mas me rendi e fui ao cinema ver, mesmo não sendo fã de pagar por filmes americanos — pode me chamar de chata, mas eu só pago o que já tenho quase 100% de certeza que não vou odiar ou os filmes brasileiros. Vamos então para o que interessa!

O diferencial dos demais filmes do Superman.

“Lara, você é uma nerd expert nos filmes do Superman?” Não mesmo e talvez esteja falando bobagens, porque no máximo só vi uns outros dois filmes quando ainda estava saindo da infância, ou seja, com uns dez ou onze anos no máximo. Agora, com 16 e pouco repertório, considero que esse filme muda a visão que temos do super-herói, pondo-o também como Clark Joseph Kent, não só disfarce, mas como um alienígena muito humano, o que contradiz como algumas pessoas o veem: um invasor. Ele comete erros, ama, sente empatia e necessidade de ajudar a humanidade a superar diversos vilões. Ele sente necessidade até mesmo de salvar um esquilo que iria morrer.

Em muitos momentos, senti falta do Superman dos filmes fodásticos tão idolatrados. Logo entendi que não era mera fraqueza, era para mostrar que até mesmo os heróis podem falhar, sangrar, ser humanos e dar a volta por cima. Em um diálogo com o grande vilão do filme, Lex Lutho, Clark diz:

“Eles sempre erraram sobre mim. Eu amo, fico com medo, mas isso é ser humano, e essa é a minha maior força!”

Quando o suposto invasor que veio para acabar com a terra e ter um harém (brincadeiras à parte) mostra-se humano e comprova tudo isso não só com discursos, mas com atitudes durante o filme, fica mais que claro que não basta ser humano para ter humanidade. Lex nunca alcançaria esse nível de bondade e devoção que Superman tem pela Terra, mesmo sendo ele o humano.